Pez de Oro

Ganadores Nominaciones Pez de Oro

Lectura: 5 minutos

 1) Mejor diseño sonoro:

– Iker Madrid – “El Zoológico de Cristal”

– Xiconténcatl Reyes – “Ángeles en América (Primera parte: El Milenio se aproxima)”

– Diego Medel – “Quiero volverme Supernova”

– Ricardo Robledo – “Los Hijos también lloran”

– Miguel Hernández – “Memorial”

 

2) Mejor diseño de vestuario:

– Estela Fagoaga – “A Ocho Columnas”

– Mauricio Ascencio – “Quiero volverme Supernova”

– Jerildy Bosch – “EL Zoológico de Cristal”

– Sara Salomón – “El Hilador” (Primera temporada)

– Giselle Sandiel – “Dogville”

 

3) Mejor diseño de iluminación:

– Mauricio Ascencio – “Texel Texas”

– Matías Gorlero – “El Hilador” (Primera temporada)

– Félix Arroyo – “Dogville”

– Alejandro Luna – “El Río”

– Víctor Zapatero – “El Zoológico de Cristal”

 

4) Mejor música original para un montaje:

– Ricardo Robledo – “Los Hijos también lloran”

– Rodrigo Dávila – “Straight”

– David Ortiz y Ricardo Estrada – “Donde los Mundos Colapsan”

– Genaro Ochoa – “Texel Texas”

– Iker Madrid – “El Hilador” (Primera temporada)

Iker Madrid
Montaje ‘El hilador’, dir. Paula Zelaya Cervantes (Foto: Masaryk.TV)

 

5) Mejor diseño de escenografía:

– Sergio Villegas – “El Hilador” (Primera temporada)

– Mauricio Ascencio – “Texel Texas”

– Jorge Ballina – “El Zoológico de Cristal”

– Alberto Villarreal – “Memorial”

– Pepe Valdés – “Donde los mundos colapsan”

 

6) Mejor musical:

– “El Beso de la Mujer Araña”

– “Hello, Dolly!”

– “La Gran Familia”

– “Los Últimos Cinco Años” (Última temporada)

– “Los Miserables”

 

7) Mejor diseño mexicano de escenografía para un musical:

– Andrea Toache – “Sweeney Todd”

– Óscar Acosta – “El Beso de la Mujer Araña”

– Sergio Villegas – “La Gran Familia”

– Adrián Martínez Frausto y Emilio Zurita – “Hello, Dolly!”

 

8) Mejor dirección mexicana de un musical:

– Alberto Lomnitz – “La Gran Familia”

– José Sampedro – “Los Últimos Cinco Años” (Última temporada)

– Ricardo Díaz – “Sweeney Todd”

– Miguel Septién – “El Beso de la Mujer Araña”

musical
Montaje ‘Los últimos cinco años’, dir. José Sampedro (Foto: Producción).

 

9) Mejor actor principal de musical:

– Rogelio Suárez – “El Beso de la Mujer Araña”

– Diego Medel – “Los Últimos Cinco Años” (Última temporada)

– Daniel Diges – “Los Miserables”

– Juan Navarro – “Sweeney Todd”

– Fernando Huerta Zamacona – “La Gran Familia”

 

10) Mejor actriz principal de musical:

– Chantal Andere – “El Beso de la Mujer Araña”

– Daniela Romo – “Hello, Dolly!”

– Aitza Terán – “Los Últimos Cinco Años” (Última temporada)

– Lupita Sandoval – “Sweeney Todd”

– Astrid Romo – “La Gran Familia”

 

11) Mejor actor de reparto de musical:

– Luis Gatica – “El Beso de la Mujer Araña”

– Andrés Elvira – “Los Miserables”

– Eduardo Ibarra – “Sweeney Todd”

– Mauricio Salas – “Hello, Dolly!”

– Rodrigo Vázquez – “La Gran Familia”

 

12) Mejor actriz de reparto de musical:

– Marisol Del Olmo – “Hello, Dolly!”

– Olivia Bucio – “El Beso de la Mujer Araña”

– Daiana Liparoti – “Los Miserables”

– Muriel Ricard – “Consígueme una vida”

– Érika de la Llave – “La Gran Familia”

musical
Marisol del Olmo en ‘Hello, Dolly!’, dir. Jason A. Sparks (Foto: @MarisolDelOlmo).

 

13) Mejor dramaturgia mexicana contemporánea:

– Reynolds Robledo – “Réquiem”

– Martín López Brie – “El Sapo y las  Minas de Mercurio”

– Sabina Berman – “Testosterona”

– Paula Zelaya Cervantes – “El Hilador”

– Álex Figueroa – “Feliz Año Nuevo, Mamá”

 

14) Mejor traducción de una obra extranjera:

– Héctor Pascual – “El Bien del País”

– Jerónimo Best – “La Obra que Sale Mal” (Primera temporada)

– David Olguín – “Ángeles en América (Primera parte: El Milenio se aproxima)”

– Alfredo Michel Modenessi – “El Río”

– Milena Pezzi y Diego Del Río – “Buenas Personas”

 

15) Mejor dramaturgia extranjera contemporánea montada en la Ciudad de México:

– “Buenas Personas” – David Linday- Abarie

– “El Bien del País” – Timberlake Wertenbaker

– “Terror” – Ferdinand Von Schirach

– “Después de Casa de Muñecas” – Lucas Hnath

– “La Obra que Sale Mal” – Henry Lewis, Jonathan Sayer y Henry Shields

 

16) Mejor trabajo de coreografía y movimiento escénico:

– Pablo Rodríguez y Jimena Saltiel – “El Hilador” (Primera temporada)

– Ulises Martínez – “Texel Texas”

– Claudia DeSimone y Eduardo López Vera – “Dogville”

– Esmirna Barrios y Alberto Villarreal – “Memorial”

– Dave Hearn – “La Obra que Sale Mal” (Primera temporada)

mejor coreografía
Montaje ‘La obra que sale mal’, dir. Jerónimo Best (Foto: México es Cultura).

 

17)  Mejor ensamble actoral:

– “Edificio San Miguel”

– “A Ocho Columnas”

– “Villa Dolorosa”

– “La Obra que Sale Mal” (Primera temporada)

– “El Bien del País” (Primera temporada)

 

18) Mejor actor de reparto:

– Iván Zambrano Chacón – “México 68”

– Marcos Radosh – “El Hilador”

– Salvador Hurtado – “Villa Dolorosa”

– Luis Miguel Lombana – “A Ocho Columnas”

– Luis Rodríguez “Guana” – “La Obra que Sale Mal” (Primera temporada)

 

19) Mejor actriz de reparto:

– Diana Sedano – “Ángeles en América (Primera parte: El milenio se aproxima)”

– Elizabeth Pedroza – “Feliz Año Nuevo, Mamá”

– Carmen Ramos – “Edificio San Miguel”

– Mariana Gajá – “Quiero volverme Supernova”

– Sophie Alexander Katz – “A Ocho Columnas”

 

20) Mejor actor principal:

– Pedro de Tavira Egurrola – “El Zoológico de Cristal”

– Alfonso Borbolla – “Edificio San Miguel”

– Juan Valero – “36 horas cuenta abajo”

– José Carriedo – “A Ocho Columnas”

– Enrique Arreola – “Testosterona”

mejor actor teatro 2018
José Carriedo en ‘A ocho columnas’, dir. Fernando Bonilla (Foto: El Aquelarre).

 

21) Mejor actriz principal:

– Carmen Mastache – “36 horas cuenta abajo”

– Mahalat Sánchez – “Villa Dolorosa”

– Margarita Sanz – “Feliz Año Nuevo, Mamá”

– Arcelia Ramírez – “Buenas Personas”

– Julieta Egurrola – “Desazón”

 

22) Mejor dirección:

– Angélica Rogel – “Edificio San Miguel”

– Silvia Ortega Vettoretti – “Villa Dolorosa”

– Paula Zelaya Cervantes – “El Hilador” (Primera temporada)

– Fernando Bonilla – “A Ocho Columnas”

– Mark Bell – “La Obra que Sale Mal”

 

23) Mejor obra de teatro del 2018:

– “Edificio San Miguel” de Gabriela Guraieb

– “A Ocho Columnas” de Salvador Novo

– “Feliz Año Nuevo, Mamá” de Álex Figueroa

– “La Obra que Sale Mal” de Henry Lewis, Jonathan Sayer y Henry Shields (Primera temporada)

– “Villa Dolorosa” de Rebekka Kricheldorf

Nominaciones Pez de Oro 2018

Lectura: 6 minutos

Metodología para seleccionar a los nominadxs y ganadorxs en cada terna

  • A partir de haber asistido a 70 obras de teatro presentadas en la Ciudad de México durante el 14 de diciembre de 2017 hasta el 30 de noviembre de 2018, se seleccionaron los trabajos más destacados en las áreas de producción y desempeño escénico en un montaje teatral.
  • Las nominaciones fueron categorizadas en 23 ternas.
  • Cada terna tiene como máximo cinco nominadxs.
  • Las personas nominadas a este reconocimiento en el año 2017 no fueron consideradas en esta selección.
  • En una misma categoría puede estar nominada una misma persona que haya participado en proyectos diferentes.
  • En diferentes categorías puede estar nominada una misma persona que haya participado en proyectos diferentes.
  • Los criterios generales para elegir a las personas nominadas de cada categoría son:

a) El dominio técnico del área en cuestión.

b) La concordancia del trabajo del área con el concepto literario y escénico de la obra.

c) La capacidad de exploración simbólica en cada una de las áreas.

d) La capacidad de aproximarse a las competencias comunicativas de las audiencias.

e) La capacidad de exploración del lenguaje teatral en cada una de las áreas.

f) La pertinencia del tema, la premisa y la historia para el momento político, económico y social de la Ciudad de México.

g) Los criterios estéticos, estilísticos y poéticos propios de cada área de nominación.

nominaciones de teatro
Imagen: pngtree.

Categorías sujetas a análisis y valoración

1) Mejor diseño sonoro:

– Iker Madrid – “El Zoológico de Cristal”

– Xiconténcatl Reyes – “Ángeles en América (Primera parte: El Milenio se aproxima)”

– Diego Medel – “Quiero volverme Supernova”

– Ricardo Robledo – “Los Hijos también lloran”

– Miguel Hernández – “Memorial”

 

2) Mejor diseño de vestuario:

– Estela Fagoaga – “A Ocho Columnas”

– Mauricio Ascencio – “Quiero volverme Supernova”

– Jerildy Bosch – “EL Zoológico de Cristal”

– Sara Salomón – “El Hilador” (Primera temporada en el Teatro Helénico)

– Giselle Sandiel – “Dogville”

 

3) Mejor diseño de iluminación:

-Mauricio Ascencio – “Texel /Texas”

– Matías Gorlero – “El Hilador” (Primera temporada en el Teatro Helénico)

– Félix Arroyo – “Dogville”

– Alejandro Luna – “El Río”

– Víctor Zapatero – “El Zoológico de Cristal”

 

4) Mejor música original para un montaje:

– Ricardo Robledo – “Los Hijos también lloran”

– Rodrigo Dávila – “Straight”

– David Ortiz y Ricardo Estrada – “Donde los Mundos Colapsan”

– Genaro Ochoa – “Texel/Texas”

– Iker Madrid – “El Hilador” (Primera temporada en el Teatro Helénico)

 

5) Mejor diseño de escenografía:

– Sergio Villegas – “El Hilador” (Primera temporada en el Teatro Helénico)

– Mauricio Ascencio – “Texel /Texas”

– Jorge Ballina – “El Zoológico de Cristal”

– Alberto Villarreal – “Memorial”

– Pepe Valdés – “Donde los mundos colapsan”

teatro
Montaje ‘Donde los mundos colapsan’, dir. Adrián Vázquez (Foto: Notimex).

 

6) Mejor musical:

– “El Beso de la Mujer Araña”

– “Hello, Dolly!”

– “La Gran Familia”

– “Los Últimos Cinco Años” (Última temporada)

– “Los Miserables”

 

7) Mejor diseño mexicano de escenografía para un musical:

– Andrea Toache – “Sweeney Todd”

– Óscar Acosta – “El Beso de la Mujer Araña”

– Sergio Villegas – “La Gran Familia”

– Adrián Martínez Frausto y Emilio Zurita – “Hello, Dolly!”

 

8) Mejor dirección mexicana de un musical:

– Alberto Lomnitz – “La Gran Familia”

– José Sampedro – “Los Últimos Cinco Años” (Última temporada)

– Ricardo Díaz – “Sweeney Todd”

– Miguel Septién – “El Beso de la Mujer Araña”

teatro nominaciones
Montaje ‘El beso de la mujer araña’, dir. Miguel Septién (Foto: Producción).

 

9) Mejor actor principal de musical:

– Rogelio Suárez – “El Beso de la Mujer Araña”

– Diego Medel – “Los Últimos Cinco Años” (Última temporada)

– Daniel Diges – “Los Miserables”

– Juan Navarro – “Sweeney Todd”

– Fernando Huerta Zamacona – “La Gran Familia”

 

10) Mejor actriz principal de musical:

– Chantal Andere – “El Beso de la Mujer Araña”

– Daniela Romo – “Hello, Dolly!”

– Aitza Terán – “Los Últimos Cinco Años” (Última temporada)

– Lupita Sandoval – “Sweeney Todd”

– Astrid Romo – “La Gran Familia”

nominaciones pez de oro
Montaje ‘La Gran Familia’, dir. Alberto Lomnitz (Foto: Galería Teatral).

 

11) Mejor actor de reparto de musical:

– Luis Gatica – “El Beso de la Mujer Araña”

– Andrés Elvira – “Los Miserables”

– Eduardo Ibarra – “Sweeney Todd”

– Mauricio Salas – “Hello, Dolly!”

– Rodrigo Vázquez – “La Gran Familia”

 

12) Mejor actriz de reparto de musical:

– Marisol Del Olmo – “Hello, Dolly!”

– Olivia Bucio – “El Beso de la Mujer Araña”

– Daiana Liparoti – “Los Miserables”

– Muriel Ricard – “Consígueme una vida”

– Érika de la Llave – “La Gran Familia”

 

13) Mejor dramaturgia mexicana contemporánea:

– Reynolds Robledo – “Réquiem”

– Martín López Brie – “El Sapo y las  Minas de Mercurio”

– Sabina Berman – “Testosterona”

– Paula Zelaya Cervantes – “El Hilador”

– Álex Figueroa – “Feliz Año Nuevo, Mamá”

 

14) Mejor traducción de una obra extranjera:

– Héctor Pascual – “El Bien del País”

– Jerónimo Best – “La Obra que Sale Mal” (Primera temporada)

– David Olguín – “Ángeles en América (Primera parte: El Milenio se aproxima)”

– Alfredo Michel Modenessi – “El Río”

– Milena Pezzi y Diego Del Río – “Buenas Personas”

 

15) Mejor dramaturgia extranjera contemporánea montada en la Ciudad de México:

– “Buenas Personas” – David Linday- Abarie

– “El Bien del País” – Timberlake Wertenbaker

– “Terror” – Ferdinand Von Schirach

– “Después de Casa de Muñecas” – Lucas Hnath

– “La Obra que Sale Mal” – Henry Lewis, Jonathan Sayer y Henry Shields

teatro
Montaje ‘La obra que sale mal’, dir. Mark Bell (Foto: El Aquelarre).

 

16) Mejor trabajo de coreografía y movimiento escénico:

– Pablo Rodríguez y Jimena Saltiel – “El Hilador” (Primera temporada en el Teatro Helénico)

– Ulises Martínez – “Texel/Texas”

– Claudia DeSimone y Eduardo López Vera – “Dogville”

– Esmirna Barrios y Alberto Villarreal – “Memorial”

– Dave Hearn – “La Obra que Sale Mal” (Primera temporada)

 

17)  Mejor ensamble actoral:

– “Edificio San Miguel”

– “A Ocho Columnas”

– “Villa Dolorosa”

– “La Obra que Sale Mal” (Primera temporada)

– “El Bien del País” (Primera temporada en el Teatro Helénico)

 

18) Mejor actor de reparto:

– Iván Zambrano Chacón – “México 68”

– Marcos Radosh – “El Hilador” (Primera temporada en el Teatro Helénico)

– Salvador Hurtado – “Villa Dolorosa”

– Luis Miguel Lombana – “A Ocho Columnas”

– Luis Rodríguez “Guana” – “La Obra que Sale Mal” (Primera temporada)

 

19) Mejor actriz de reparto:

– Diana Sedano – “Ángeles en América (Primera parte: El milenio se aproxima)”

– Elizabeth Pedroza – “Feliz Año Nuevo, Mamá”

– Carmen Ramos – “Edificio San Miguel”

– Mariana Gajá – “Quiero volverme Supernova”

– Sophie Alexander Katz – “A Ocho Columnas”

 

20) Mejor actor principal:

– Pedro de Tavira Egurrola – “El Zoológico de Cristal”

– Alfonso Borbolla – “Edificio San Miguel”

– Juan Valero – “36 horas cuenta abajo”

– José Carriedo – “A Ocho Columnas”

– Enrique Arreola – “Testosterona”

nominaciones 2018
Montaje ‘Testosterona’, dir. Ana Francis Mor (Foto: @TeatroINBA).

 

21) Mejor actriz principal:

– Carmen Mastache – “36 horas cuenta abajo”

– Mahalat Sánchez – “Villa Dolorosa”

– Margarita Sanz – “Feliz Año Nuevo, Mamá”

– Arcelia Ramírez – “Buenas Personas”

– Julieta Egurrola – “Desazón”

 

22) Mejor dirección:

– Angélica Rogel – “Edificio San Miguel”

– Silvia Ortega Vettoretti – “Villa Dolorosa”

– Paula Zelaya Cervantes – “El Hilador” (Primera temporada en el Teatro Helénico)

– Fernando Bonilla – “A Ocho Columnas”

– Mark Bell – “La Obra que Sale Mal”

 

23) Mejor obra de teatro del 2018:

– “Edificio San Miguel” de Gabriela Guraieb

– “A Ocho Columnas” de Salvador Novo

– “Feliz Año Nuevo, Mamá” de Álex Figueroa

– “La Obra que Sale Mal” de Henry Lewis, Jonathan Sayer y Henry Shields (Primera temporada)

– “Villa Dolorosa” de Rebekka Kricheldorf

La Gran Familia: El ISO 9000 de Broadway

Lectura: 5 minutos

Sinopsis:

“La Gran Familia” es un musical, basado en hechos reales de México, que cuenta la historia del albergue dirigido por Mamá Rosa que mantenía a centenas de niños en condiciones deplorables de salud e integridad humana, a pesar de varios testimonios de sus protegidos quienes la consideraban una “madre” ejemplar. Este musical pone en perspectiva a Mamá Rosa para saber si cometía sistemáticamente abusos o fue una mujer bondadosa rebasada por la realidad. 

De Luis Valdez a Mamá Rosa. 

¿Por qué la Compañía Nacional de Teatro decide hacer un musical? Lo pregunto cuando una parte del “teatro subvencionado” ve a este género como menor y en el “teatro comercial” es uno de los productos con más apoyo financiero para levantarse, tener difusión y conseguir algún tipo de patrocinio. En la Ciudad de México los musicales y las obras de comedia son los proyectos con mayores posibilidades financieras y los que los productores “creen” tener una audiencia cautiva.  El musical es un género/producto polémico en el sector teatral.

Después de “Zoot Suit” de Luis Valdez, “La Gran Familia” es el nuevo musical de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) dirigido por Alberto Lomnitz, escrito por él y Claudio Lomnitz, con música de Leonardo Soqui y protagonizado por Angelina Peláez.  Si yo veo sólo a este equipo creativo creería que se trata de una obra de Chéjov o algún tipo de nueva teatralidad al más puro estilo de Alberto Villarreal. Mi sorpresa es cuando me topo con una obra de formato creativo y de producción más parecido a un montaje del Teatro de los Insurgentes que del Juan Ruiz de Alarcón en la UNAM (lugar donde se presenta).

En el “teatro comercial”, donde la ganancia depende de la taquilla y no de algún tipo de apoyo estatal, se busca la marca Broadway como una especie de ISO 9000 para montar un musical. Como si fuera de Broadway, como si se aspirara a tener lo de Broadway, como si no fuera suficiente para alcanzar el nivel de Broadway. El aporte de “La Gran Familia” al circuito subvencionado, donde las ganancias no dependen de cuántas personas se sientan en la sala sino de los subsidios estatales, está en montar un musical sin el ISO 9000 de los musicales.

musical de Broadway
Edward James Olmos, como ‘El Pachuco’, y Daniel Valdez, como Henry Reyna, en el montaje ‘Zoot Suit’, Mark Taper Forum, 1978 . (Foto: Mark Taper Forum).

El albergue hecho teatro

En el espectáculo, a nivel de texto dramático, no funciona la presentación de los personajes principales porque se tarda en hacerse, no queda claro quiénes son los protagonistas y no es contundente la premisa del montaje. Éste es un musical donde las canciones sirven para reforzar la acción dramática, no para hacerla avanzar; en este sentido, las canciones, en su mayoría aderezadas con comedia, son un respiro para el espectador ante la intensidad de las escenas habladas.

La manera de hablar de los creativos del proyecto hace suponer que la protagonista sea Mamá Rosa, sin embargo, a la mitad del espectáculo esta figura sólo es un pretexto para cuestionar  los estereotipos y prejuicios de la familia. Los niños de la casa de Mamá Rosa son los verdaderos protagonistas, de manera particular, tres de ellos: Palillo, Chupa Chups y el Sope. El personaje de la matriarca tiene una función ambigua a lo largo del montaje y, por el otro lado, sus “hijos” se quedan a la mitad de una construcción en cuanto a motivaciones y relaciones.

La historia se cuenta mediante una obra de teatro dentro de una obra de teatro. Los niños de una casa de hogar representan la vida de Mamá Rosa; los personajes son personajes. La metateatralidad funciona; es clara, precisa y hasta divertida. El segundo acto tiene mayor contundencia dramática en comparación del primero porque los personajes se apuntalan mejor en sus deseos y conflictos para llegar a un final potente y vibrante.

El mayor logro del montaje es la energía del ensamble para sostener un musical durante tres horas. Una energía de musical. La CNT no está acostumbrada a este tipo de exigencias físicas y poéticas. De hecho, “Zoot Suit” adolecía de  baches energéticos cada media hora; con “La Gran Familia” se corrigió la plana y el espectáculo crece en todo momento. La decisión de tener a tres actrices distintas para interpretar diferentes etapas de la vida de Mamá Rosa le da un volumen al personaje que en el papel no lo tiene.

Aunque para mi entrenamiento como escritor, el uso de un narrador va contra todos los cánones del drama, la presencia de uno en el montaje no resta efectividad dramática. Debo reconocer lo sorpresivo del final; a la mitad de la obra entendí que la vida de Mamá Rosa sólo es el pretexto para hablar de algo más, de hecho, entendí la función de sus “hijos” como protagonistas pero nunca anticipé la forma de cerrar. El final es impactante y conmovedor.

teatro
Imágenes del montaje ‘La Gran Familia’ (Tomadas de: Teatro UNAM).

La CNT en el Teatro de los Insurgentes

El aporte de “La Gran Familia” a la cartelera mexicana es quitarse la prerrogativa de Broadway y hacer un espectáculo que conecta de forma genuina con nuestros intereses, gustos y demonios como mexicanos. Cuestionar a la Gran Familia Mexicana de Televisa (ya instalada en el ADN del mexicano) nos pega porque no existe esa familia en este país. Y ahí el montaje me importa y me duele.

A partir de “La Gran Familia”, yo tengo serios cuestionamientos: ¿la marca Broadway es una restricción autoimpuesta? ¿Qué tanto a las audiencias del musical les importa la marca Broadway? ¿Traer franquicias de Broadway será sustentable en términos económicos a veinte años? ¿“La Gran Familia” tendría algún futuro financiero si se presentara en el Teatro de los Insurgentes como máximo emblema del “teatro comercial”? ¿La Compañía Nacional de Teatro tiene un espacio en el “teatro comercial”? ¿A los productores del “teatro comercial” les interesa trabajar con la CNT o nunca dejarán de creer que se necesita una estrella mediática para jalar un musical?

Pienso en nombres como Lupita Sandoval, Memo Méndez Guiu u Olga Cassab quienes hicieron esfuerzos sobrehumanos, como escritores y compositores, por levantar musicales con historias mexicanas y no encontraron una continuidad financiera para tener exposición a mayores audiencias. Por otro lado, alguien me podría decir que no siguieron porque no hubo un impacto favorable de negocios, porque a las audiencias no les interesa; sin embargo, es una trampa pensar el éxito de taquilla como referente de gustos e intereses de las audiencias.

Este montaje de la CNT es polémico en dos vías: modelos de financiamiento de proyectos y análisis de audiencias. Si queremos construir un negocio del teatro, debemos conocer el producto que se vende: acotado, cercano y hasta artesanal. Una obra de teatro necesita apegarse más al ideario colectivo en corto que a las necesidades interculturales del mainstream como lo hacen otros formas de entretenimiento. Tener como único parámetro a Broadway al hacer un musical es peligroso. Para mí este argumento tiene sentido porque el teatro no nació como un negocio, a diferencia del cine y la televisión, no nació para llegar a las grandes audiencias; nació como un ritual.

teatro musical
Cartel de ‘La Gran Familia’ (Imagen: Cultura UNAM).

Traspunte 1:

Para todos los interesados en el teatro y musical de corazón, compren el libro de “La Gran Familia” donde viene el libreto, las partituras y ensayos agudos sobre la familia mexicana. Gran registro para la historia del teatro mexicano.

Traspunte 2:

Qué tanto prejuicio tenemos como espectadores al ver un musical en el Juan Ruiz de Alarcón que la función a la que fui costaba mucho trabajo escuchar por los aplausos entre canción y canción. Es irónico cuando un musical se alimenta del aplauso constante.

Drama Word en el teatro

Lectura: 3 minutos

Drama seems to be the hardest word

La virtud de un dramaturgo es plantear una idea a partir del conflicto entre dos personajes. Drama es acción; es movimiento. Muchos escritores pueden engolosinarse (¿obsesionar?) tanto con una idea que sin darse cuenta se desbarrancan a otros géneros como la narrativa o caer en otro tipo de ejercicios argumentales como la tesis doctoral. Cuando un escritor es un superdotado sabe capturar nuestra atención porque todo el tiempo hay una tensión, un suspenso, un choque.

El dramaturgo en cada obra de teatro plantea un juego de precisión (como de reloj suizo) para que sus ideas desencadenen una contraposición de intereses. A contra B y B contra A. Las oposiciones deben ser verosímiles como si las viéramos y oyéramos en una calle, en el mercado, en el trabajo o en la cafetería de tu preferencia. Y todo esto debe ser tan reconocible como si lo viviera mi tía, vecino, jefe, pareja o jefe delegacional.

No importa cuán delirante sea el universo que construya el escritor; siempre habrá un personaje, un conflicto y un diálogo como un fiel reflejo de una emoción básica. Es ahí donde la catarsis sucede; el ritual se percibe como elemento básico de la experiencia teatral y la colectividad puede exorcizar sus demonios.

teatro
Escena de la obra “Fotografía en la playa”, dirección: Mayho Moreno, Universidad de las Américas de Puebla (Foto: UDLAP).

En esta entrega haré mi Top 5 de los diálogos que mejor presentan a un personaje dentro de una obra de teatro. Fragmentos de conflicto sugerentes. Tal vez cuando acabe de escribir esta columna muchos más diálogos vengan a mi cabeza y me arrepienta por no haber incluido algunos. Haré un enorme esfuerzo por equilibrar la calidad literaria y la intuición; el oficio de escribir y los recuerdos personales.

En un mundo donde existe una saturación de tuits, impresiones, publicaciones de Facebook, libros, libros digitales, publicidad impresa, memes (podría seguir hasta la náusea) el valor de la palabra se empequeñece. O tal vez podría decir “pierde dimensión”. Y por eso nunca está de más intentar recuperar ese valor con un pequeñísimo homenaje a escritoras y escritores; al oficio de inmortalizar los dilemas de la humanidad que como una espiral se repiten y repiten.

teatro
Escena de la obra “”Molière”, Brasil (Foto: @moliereoficial).

Top # 5

Elisa en “Fotografía en la Playa” de Emilio Carballido:

Porque nadie se sacrifica de veras en secreto. Los demás lo saben siempre, y se hacen guajes. Aceptan el sacrificio, muy a gusto. Para después sentirse atados y pagar con desamor, con engaños…

Carballido, Emilio. “Fotografía en la Playa. Soñar la Noche. Las Cartas de Mozart”. Ed. Escenología: México, 1994.

Top # 4

Cachito en “Cómo aprendí a manejar” de Paula Voguel:

Oye, ¿nunca te sientes un poco mucho o demasiado consciente de ti misma?

Varios autores. “Teatro Norteamericano Contemporáneo II”. Ed. El Milagro: México, 2003.

Top # 3

LaFontaine en “Molière” de Sabina Berman:

El arte no es un concurso de aplausos.

Berman, Sabina, “Puro Teatro”. FCE: México, 2013.

Top # 2

Gerardo en “El Eclipse” de Carlos Olmos:

El error de los hombres fue haber inventado la eternidad.

Olmos, Carlos “Teatro Completo”. FCE: México, 2007.

Top # 1

Sofía en “Los Signos del Zodiaco” de Sergio Magaña:

Si es que tú vales algo acabarás escapando de todo esto. Escapar para luchar y vivir.

Varios Autores. “Los Signos del Zodíaco. Los Frutos Caídos. Las Cosas Simples”. SEP: México, 1984.

teatro
Escena de la obra “Los signos del zodiaco”, Centro de las Artes de Guanajuato (Foto: José Almanza).

“El Bien del País”: Éxodos

Lectura: 5 minutos

Sinopsis:

En 1788 llega a la colonia penal de Sídney un grupo de presidiarios que serán convencidos de formar una compañía de teatro como una manera de redención personal y colectiva más allá del cumplimiento de su condena. En el proceso de montar su primera obra de teatro, se develan las relaciones de poder entre el gobernante y el castigado, así como la valoración del arte en medio de una sociedad violenta y corrupta. 

Con el hashtag #InvasiónShakespeare se difunde el proyecto de movilización de las producciones del Foro Shakespeare fuera de su actual sede: Zamora 7 y 9 en la Colonia Condesa. Itari Marta y Bruno Bichir, coordinadores y directores del espacio, tuvieron diferencias con el dueño de la casa de Zamora 9 cuando éste ya no quiso continuar con el contrato de arrendamiento; este problema obligó a Bruno e Itari a encontrar otros espacios; quedarse con uno no era suficiente para soportar la infraestructura y logística del Foro Shakespeare después de más treinta años de funcionamiento.

Como iniciativa del Gobierno de la Ciudad de México, Itari y Bruno contactaron con el Patrimonio Inmobiliario para ayudarlos a encontrar nuevos espacios. Una parte del Parque Cholula, entre las calles de Benjamín Hill y Cholula, se veía como la nueva sede del Foro Shakespeare, sin embargo, las ambigüedades de la burocracia, la falta de argumentos de las instituciones al dar seguimiento al caso y la oposición de los vecinos a tener un teatro cerca de sus domicilios anularon esta probabilidad.

Es un hecho: el espacio donde ahora se encuentra el Foro Shakespeare cerrará de manera definitiva (me encanta el slogan de su campaña del adiós, “Nos vamos a la mierda”, en alusión a la “mierda” que se desean los teatreros para tener buena fortuna en una función o en una temporada). Mientras se encuentra una nueva sede, todas las producciones auspiciadas por el Foro Shakespeare tendrán una rotación por diversas teatros y centros culturales de la Ciudad de México.

“El Bien del País” en el Teatro Helénico representa la obra de transición del Foro Shakespeare a esta fase de producción fuera de una sede fija y con un acercamiento a nuevas audiencias. En cuanto al financiamiento, me sorprende que no se hace alusión en el programa de mano a algún tipo de apoyo (o beca) del mundo de la subvención; en estos momentos de ajustes de dinero (y quiero creer, de recortes necesarios) se hace esta (inevitable) inversión, pero con una gran ambición (hay diez actores en escena y para el teatro de cámara de este país ya es mucho).

teatro helénico

El Foro Shakespeare de la Condesa está actualmente en sus últimos días de funcionamiento y con base en su oferta de espectáculos y mi experiencia al ser espectador distingo a dos tipos de audiencias: 1) la primera son jóvenes y adultos que buscan un tipo de entretenimiento hype difundido principalmente en redes sociales y acompañado de otro tipo de experiencias como el consumo de comida y/o bebidas (en los últimos meses en varias salas había espectáculos de stand-up).

2) En la mayoría de las funciones, el Foro Shakespeare lograba convocar a una audiencia joven teatrera o con un gusto refinado en torno al consumo de espectáculos teatrales sin tener una conexión laboral con el gremio necesariamente. Tales personas están dispuestas a enfrentarse a un montaje fuera de los cánones del mainstream; hasta podría decir que buscan un tipo de trabajo con una fuerte carga de experimentación escénica.

Aquí el primer punto interesante es que “El Bien del País” está en el Teatro Helénico, un espacio cuya audiencia, en primer lugar, es adulta (no se baja de los treinta años). Y si soy más específico, porque el montaje está en el horario de fines de semana en el foro principal, una audiencia adulta dispuesta a pagar un boleto de no menos de 400 pesos porque espera un espectáculo con altos valores de producción. Este grupo de personas pueden ser teatreras, muy cercanas al fenómeno teatral como asistentes o, en un alto índice, personas deseosas de consumir entretenimiento, pero no teatro como una prioridad.

La dirección de Zachary Fine plantea un espectáculo que produce sentido, en primera instancia, a los jóvenes teatreros y también porque desde el texto de Timberlake Wertenbaker hay un deseo de llamarlos, de hablarles, de moverlos. Yo no sé si el Helénico sea el mejor espacio para “El Bien del País” por un mero asunto de audiencias. Por otro lado, me sorprendió la temporada tan corta de la obra; no llega a los tres meses (se acaba en dos semanas) y esto no permite construir un incremento de taquilla a largo plazo.

Estoy deseoso de contactar con la producción del montaje para saber cómo les fue con la audiencia y, sobre todo, indagar cuál es la vida del proyecto fuera del Helénico. Aquí la prerrogativa a considerar es el modelo financiero. Otro tipo de espacio le vendría mejor para encontrar a su audiencia y, en el mejor de los casos, ser rentable y sustentable.

En cuanto al texto, la estructura es el reflejo de las necesidades escénicas y de audiencias de los ochenta (se escribió en 1988), sin embargo, para cualquier teatrero la premisa del arte como redención y salvación social en medio de un ambiente de crisis, violencia y desesperanza es poderosísima. Llega a la emoción y es inevitable conmoverse por un sinfín de referencias a la actividad teatral a modo de metáfora o rutinas cómicas.

La actoralidad funciona para lograr este género que viaja entre el melodrama y la comedia. Sin duda la participación de Nohemí Espinosa como una de las presas de la compañía de teatro es una de las más sorprendentes del 2018; todo el trabajo de energía interna y de estado de ánimo es de una maestría técnica poco vista en los escenarios de la Ciudad de México.

El único aspecto donde yo me perdí como espectador fue una decisión de dirección. Todos los actores están en el escenario sentados alrededor de la acción aunque no participen en las escenas; de hecho, a vistas de los asistentes, vemos a los intérpretes hacer cambios de vestuario y de caracterización ya sea como transición o mientras sucede un momento de la obra. E intuyo que Zachary Fine, el director, lo hizo como una manera de concentrar la energía y como un homenaje a la dinámica teatral.

Pero esto es un riesgo técnico brutal: los intérpretes sentados deben tener el doble de concentración que los que están actuando porque ellos no pueden ser un factor de distracción ni robar el foco de la acción principal. Si no lo logran hay grandes fugas de atención por parte de los espectadores. Por momentos, la energía del “El Bien del País” se va a lugares diferentes de la acción principal. Entiendo el homenaje, entiendo la decisión creativa pero no es efectivo.

Cuando llegué al final tuve la sensación de que hacía falta un acento, una intensidad energética en la última escena. Y, después de darle vueltas en mi cabeza al montaje, esto se debe a una fuga intermitente de energía durante las dos horas y cacho de función; el remate no se logra porque la energía no se concentró. El punto climático en el desenlace es cuesta arriba.

Insisto, la relevancia de “El Bien del País”, amén del discurso para visibilizar al arte como una forma de sanación social, está en el nuevo rumbo del Foro Shakespeare y sus encuentros con nuevas audiencias. Aquí hay una línea de investigación que no sólo le debe interesar a este grupo teatral sino a todo el gremio.

Traspunte

Pues llega en julio el musical “Sweeney Todd” a México con Beto Torres y Lupita Sandoval en los roles principales. Muchos productores de seguro todavía no dan crédito.

 

“El Bien del País”

De: Timberlake Wertenbaker

Dirección: Zachary Fine

Teatro Helénico (Avenida Revolución 1500, Colonia Guadalupe Inn)

Jueves y viernes a las 20:30 hrs.; sábados y domingos a las 17:00 y 20:00 hrs.

Hasta el 25 de marzo

“Urinetown”: la calma del oasis

Lectura: 6 minutos

Sinopsis:

En medio de la escasez de agua en un pueblo, una compañía logra privatizar el uso de baños. Esto propicia abusos, explotación y corrupción. Un hombre se rebelará ante tal condición al generar un movimiento que trate de devolver a las personas su uso legítimo del baño.

Enero y febrero fueron meses de replantearme cómo quiero y necesito abordar este año la información sobre el teatro en la Ciudad de México. Y, después de un detallado análisis de la escena teatral con muchos dilemas editoriales, llegué a una conclusión: “Urinetown” es la obra con la que debo de iniciar la temporada 2018 de esta columna.

El impacto de las #NominacionesPezdeOro 2017; la inestabilidad financiera del circuito del teatro (controversialmente llamado) comercial; las posibilidades y límites del teatro (controversialmente llamado) subvencionado; la aparición de varias entregas de premios como una estrategia de difusión teatral en la Ciudad de México (al más puro estilo del star system estadounidense); y, sobre todo, la complejidad social y económica de las audiencias que son capaces de pagar un boleto de teatro, me hicieron replantear los criterios al hablar de mi experiencia teatral al ver una obra.

Este reacomodo, se debe en gran medida, a las ideas de pertinencia y urgencia de un montaje respecto al momento político, económico y social (si mucho me apuran hasta histórico) que vivimos (si parafraseo a Cristina Pacheco).

Los teatreros queremos más gente en las salas pero esto no se logrará (en un sentido de sustentabilidad), en primera instancia, por un elenco multiestelar, los complicados dispositivos escénicos o una pirotecnia audiovisual. Todo esto importa, no minimizo su valor pero, en esencia, ese imán capaz de atraer a una persona a la taquilla será la historia donde se pueda significar una realidad que a esa persona le importa, le preocupa y le urge ver representada para tomar decisiones en su vida.

Y en este sentido “Urinetown” es pertinente y urgente. El musical se estrenó en 2001 en Off-Broadway y su vigencia es incuestionable; al verlo tuve la misma sensación de “Jesucristo Superestrella”: la experiencia estética es tan avasalladora que no te das cuenta el día de la función de la crítica tan dura y letal al sistema político. Dos días después me dieron escalofríos de llegar a la esencia de “Urinetown”: filosóficamente se cuestiona la bondad del “pueblo” (lo que sea que eso signifique; por cierto, el término me choca).

teatro musical

Y dan escalofríos porque en cualquier medio ves y/o escuchas spots de Ricardo Anaya, AMLO, José Antonio Meade o de quien gusten o manden y en ninguno de ellos se cuestiona la responsabilidad (o irresponsabilidad) ciudadana. A nivel de discurso y de práctica política, se cae en un juego retórico donde parece que los políticos son padres/salvadores de una sociedad indefensa y moralmente buena.

Y sólo con poner sobre la mesa esta idea inmediatamente se cuestiona a la democracia como el mejor sistema político, al marketing del capitalismo y a la movilización (¿?) de la sociedad civil. El adagio se rompe: el “pueblo” (insisto, no me gusta el término) no siempre es bueno. De hecho, hay una perversión al usar el término “pueblo”.

Yo tarareaba las canciones del musical días después de mi función pero cuando me di cuenta del verdadero mensaje del montaje tuve mucho miedo. Y esta valentía de la compañía de teatro, Ícaro, me vuelve loco; la valentía de no hacer teatro sólo para pasártela bien, para ser la perfecta antesala de una cena, para cumplir los estándares del entretenimiento citadino, sino porque se debe de decir algo porque asfixia,  duele, hace daño. El teatro dice cosas que no nos van a gustar. Y eso está bien. La función social de teatro es limpiar.

Por otro lado, la pertinencia de este montaje en la cartelera está en su origen en Querétaro. El proyecto nació con personas que viven y hacen su vida en ese estado; con un adecuado modelo de negocios la obra llegó a los teatros de la Ciudad de México (primero en el Hidalgo, ahora en el Milán). Lo dije el año pasado en mis redes sociales: basta de la centralización del teatro en México.

En cualquier estado de este país existen personas con el conocimiento, la experiencia y el oficio de hacer teatro, y por circunstancias principalmente de marketing y de planes de financiamiento (ya sean nulos o escasos), les cuesta el cuádruple de trabajo montar un espectáculo. Y qué decir de convocar a la audiencia para que vaya a comprar un boleto.

La Ciudad de México tiene en mayor medida una infraestructura teatral (para bien o para mal); fuera de esta zona la realidad es distinta; aquí las ganas de hacer teatro no son suficientes para crear proyectos sustentables y redituables.

La compañía de Teatro Ícaro debe volverse en este momento un objeto de estudio para saber qué objetivos tenían al principio de la producción, cómo fueron cambiando con el paso del tiempo, qué alianzas hicieron y cómo pudieron posicionarse en el gremio (más allá de la gran hechura del montaje).

Desde la pertinencia y urgencia, el teatro no debe concentrarse en esta ciudad. Y, no lo puedo dejar de lado, este problema también obedece a la política cultural y sexenal del país. También estoy consciente de los esfuerzos institucionales de apoyar la escena teatral fuera de los límites de la CDMX (existen programas para atender estas necesidades); sin embargo, no son suficientes cuando una compañía de teatro de otro estado, no tiene las mismas posibilidades económicas y difusión (por decir lo mínimo) de generar un proyecto que una compañía de esta ciudad.

Por último, necesito hablar de Miguel Septién, el director de “Urinetown”, y el desempeño escénico de la compañía de teatro Ícaro. Aunque el musical en este país es uno de los productos teatrales más popularizados y con mayor atención mediática y financiera, todavía no tenemos (hablo como gremio) el oficio de realizarlo.

El 90% de los musicales en la ciudad han requerido la supervisión extranjera en términos de producción; más del 60% de los musicales en la ciudad son de origen extranjero. Y esto habla del gran camino por delante en términos de generación de propio contenido y de modelos de producción acorde a las necesidades del sector teatral de este país.

Y en tal panorama, Miguel Septién es una aguja en un pajar. Primero: es mexicano. Segundo: es un director de musicales; entiende el género, tiene el conocimiento teórico pata descifrar la estructura de una obra y, por supuesto, sabe adaptar toda la sabiduría extranjera a nuestra realidad (escénica y de audiencias). Tercero (y lo más importante): es uno de los pocos directores con mayor conciencia del espacio. Se me volaba la cabeza de ver todas las posiciones, movimientos e imágenes que dispuso en el escenario.

Parece una obviedad pero no lo es. Existen muy pocos directores en este país con esta cultura visual para ver el todo sin comprometer el montaje a un solo elemento: la actuación, el movimiento corporal, la atmósfera, el dispositivo escénico, la música.

Además, Miguel Septién fue el encargado de la adaptación que es por demás funcional. Ahora todos se deben de pelear por tener en sus filas de los próximos musicales a este hombre (ya les ganó el productor Juan Torres porque lo llamó a dirigir “El Beso de la Mujer Araña”).

Sobre el desempeño escénico de la compañía de teatro Ícaro, espero que ésta pueda leer el siguiente comentario como un halago. Hace años (recalco, años) no he visto a todo un ensamble actoral con las ganas de estar en un escenario no por un lucimiento personal, no por alimentar al ego, no “por hacer teatro”, sino porque tienen la urgencia de contar esta historia y conectar con el espectador.

Deben valorar cada lágrima de sangre que lloraron por levantar este proyecto. De sostenerlo, de mantenerlo. Y cuando están en escena no se reservan nada con tal de estar con quien los observa y los escucha. No sé si esto se pueda ver en un público de a pie; para mí es muy evidente y muy conmovedor más allá de la historia.

Cuando todo el elenco recibía los aplausos al final de la función veía la cara de cada uno de los intérpretes y era imposible no poder emocionarme con ellos. “Urinetown” me da esperanza a título personal y como teatrero. El aplauso devuelve en algo este generoso acto que cada uno de los integrantes del equipo hizo. El generoso acto no sólo de amar al teatro. Sino de conectar.

Traspunte:

Miguel Septién dirigirá “El Beso de la Mujer Araña”. Ya se confirmó a Chantal Andere en el elenco. Pero los personajes que cargan todo el peso de la obra son los dos presos. La decisión más difícil del casting radica aquí.  ¿Quiénes serán?

Para conocer la sinopsis de “El Beso de la Mujer Araña” aquí está un link: http://www.redteatral.net/versiones-musicales-el-beso-de-la-mujer-ara-a-285

 

“Urinetown”:

Música y letras: Mark Hollmann

Libreto: Greg Kotis

Dirección: Miguel Septién

Teatro Milán (Lucerna 64, esquina Milán)

Jueves a las 20:45 hrs.

TW y FB: UrinetownMx

Resultados Ganadores: Lo mejor del 2017

Lectura: 3 minutos

Mención Honorífica al Trabajo Escénico con una sobresaliente Exploración en el Lenguaje Teatral

“Yo nunca lloro”

Un espectáculo de Laura Almela, Daniel Giménez Cacho y Adelheid Roosen

  • Mejor diseño sonoro:
  • Miguel A. Hernández Montero- “Bozal”
  • Gastón Briski – “Billy Elliot. El Musical”
  • Alejandro Giacoman – “La Tequilera”
  • Edher Corte – “Closer”
  • Miguel Jiménez – “Privacidad”
  • Rodrigo Castillo Filomarino – “Instinto”
  • Cristóbal Maryan y Emil Rzajev – “Solsticio de Invierno”

 

  • Mejor diseño de vestuario:
  • Mauricio Ascencio – “Noche de Reyes”
  • Estela Fagoaga – “Billy Elliot. El Musical”
  • Trama y Drama Vestuario y Producción S.A. de C.V. – “La Tequilera”
  • Estela Fagoaga – “La Divina Ilusión”
  • Aldo Vázquez Yela – “El Jardín de los Cerezos”
  • Mario Marín Del Río – “Enemigo del Pueblo”
  • Eloise Kazan – “Exiliados”

 

  • Mejor diseño de iluminación:
  • Jason Kantrowitz – “Billy Elliot. El Musical”
  • Mauricio Ascencio – “Noche de Reyes”
  • Víctor Zapatero – “Privacidad”
  • Fernando Flores Trejo – “La Divina Ilusión”
  • Gabriel Pascal – “Bozal”
  • Félix Arroyo – “Heisenberg”
  • Ángel Ancona – “Después del Ensayo”

 

  • Mejor música original para un montaje:
  • Yayo Villegas – “Abrazar al Panda”
  • Pablo Chemor – “Noche de Reyes”
  • Meme y Renato Del Real – “Déjame Entrar”
  • León Felipe Tapia – “Tréplev”
  • Edher Corte – “Closer”
  • Joaquín López “Chas” – “La Divina Ilusión”
  • Tareke Ortiz – “Irene”

 

  • Mejor diseño de escenografía:
  • Jorge Ballina, Jorge Orozco y Frank Beltrán – “Privacidad”
  • Fernando Flores Trejo – “La Divina Ilusión”
  • Sergio Villegas y Adrián Martínez Frausto – “Billy Elliot. El Musical”
  • Mario Marín Del Río – “Instinto”
  • Sergio Villegas – “Un Acto De Dios”
  • Gabriel Pascal – “El Mercader de Venecia”
  • Mauricio Ascencio – “Happy”

 

  • Mejor musical:
  • “Billy Elliot. El Musical”
  • “Urinetown”
  • “Papi Piernas Largas”

 

  • Mejor dramaturgia mexicana contemporánea:
  • Mauricio Bañuelos – “El Cielo de los Presos”
  • Ximena Escalante – “La Tequilera”
  • Bárbara Colio – “Instinto”
  • Mario Alberto Monroy – “Abrazar al Panda”
  • Mario Cantú Toscano – “Memorama”
  • Medardo Treviño – “En la Esquina de las Desdichas”

 

  • Mejor traducción y adaptación de una obra extranjera:
  • Roberto Cavazos – “Rotterdam”
  • David Olguín – “El Mercader de Venecia”
  • Alberto Lomnitz y Ricardo Esquerra – “La Estética del Crimen”
  • David Gaitán – “Enemigo del Pueblo”
  • René Franco y Susana Moscatel – “Billy Elliot. El Musical”
  • Alonso Íñiguez – “Noche de Reyes”
  • Alfredo Michel Modenessi – “Romeo y Julieta”

 

  • Mejor dramaturgia extranjera contemporánea:
  • Simon Stephens – “Heisenberg”
  • David Javerbaum – “Un Acto de Dios”
  • Robert Caisley – “Happy”
  • Michel Marc Bouchard – “La Divina Ilusión”
  • Alberto Conejero – “La Piedra Oscura”
  • Roland Schimmelpfennig – “Solsticio de Invierno”
  • Jon Brittain – “Rotterdam”

 

  • Mejor trabajo de coreografía y movimiento escénico:
  • Roy Valdés – “Romeo y Julieta”
  • Peter Darling, Paul Rubin, Oscar Carapia y Carlos Carrillo – “Billy Elliot. El Musical”
  • Franghia Ballesteros – “Déjame Entrar”
  • Arantza Muñoz Montemayor – “Urinetown”
  • Antonio Peña y Ramón Cadaval – “Oscura Sangre”

 

  • Mejor ensamble actoral:
  • “La Divina Ilusión”
  • “Billy Elliot. El Musical”
  • “Los Ojos”
  • “Noche de Reyes”
  • “El Mercader de Venecia”
  • “Rotterdam”
  • “La Estética del Crimen”
  • Mejor espectáculo de teatro cabaret:
  • “Angélique” de Eduardo Castañeda
  • “Las Miserables” de Las Reinas Chulas
  • “The Shakespearean Tour o Cómo ser una Diva Shakespeariana” de Mariano Ruiz
  • “La Pasión según Lupe Lemper” de Pedro Kóminik

 

  • Mejor actor de reparto:
  • Emmanuel Orenday – “El Cielo de los Presos”
  • Alejandro de la Madrid – “Memorama”
  • Mario Alberto Monroy – “La Estética del Crimen”
  • David Juan Olguín Almela – “El Mercader de Venecia”
  • Rodrigo Murray – “Un Tranvía llamado Deseo”
  • Constantino Morán – “La Divina Ilusión”
  • Salvador Petrola – “Noche de Reyes”

 

  • Mejor actriz de reparto:
  • Paola Izquierdo – “Sra. Klein”
  • Adriana Montes de Oca – “Noche de Reyes”
  • Assira Abate – “Los Ojos”
  • Montserrat Marañón – “La Estética del Crimen”
  • Pilar Boliver – “La Divina Ilusión”
  • Concepción Márquez – “El Jardín de los Cerezos”
  • Anahí Allué/Laura Luz – “Billy Elliot. El Musical”

 

  • Mejor actor principal:
  • Antonio Vega – “Solsticio de Invierno”
  • Joaquín Cosío – “La Desobediencia de Marte”
  • Marco Treviño – “Memorama”
  • Luis Rábago – “Enemigo del Pueblo”
  • Mauricio Arriaga/Aarón Márquez/Ian González/Jesús Trosino/Demián Ferráez (alternan papel) – “Billy Elliot. El Musical”
  • Pablo Perroni – “Happy”
  • Roberto Beck – “Los Ojos”

 

  • Mejor actriz principal:
  • Valeria Vera – “Rotterdam”
  • Lisa Owen – “Macbeth”
  • Esmirna Barrios – “El Mercader de Venecia”
  • Luly Garza – “El Testamento de María”
  • Emoé de la Parra – “Sra. Klein”
  • Beatriz Moreno – “En la Esquina de las Desdichas”
  • Ana Graham – “Solsticio de Invierno”
  • Julieta Egurrola – “Después del Ensayo”

 

  • Mejor dirección:
  • Boris Schoemann – “La Divina Ilusión”
  • Angélica Rogel – “Happy”
  • Itari Marta – “El Testamento de María”
  • David Olguín – “El Mercader de Venecia”
  • Alonso Íñiguez – “Noche de Reyes”
  • Cristian Magaloni – “Los Ojos”
  • Pilar Boliver – “Un Acto de Dios”
  • Roberto Cavazos – “Rotterdam”
  • Maru Dueñas – “Papi Piernas Largas”

 

  • Mejor obra de teatro del 2017:
  • “Rotterdam” de Jon Brittain
  • “La Divina Ilusión” de Michel Marc Bouchard
  • “Happy” de Robert Caisley
  • “El Mercader de Venecia” de William Shakespeare (adaptación de David Olguín)
  • “Los Ojos” de Pablo Messiez
  • “El Testamento de María” de Colm Tóibín
  • “Billy Elliot. El Musical” de Lee Hall con música de Elton John
  • “Noche de Reyes” de William Shakespeare (adaptación de Alonso Íñiguez)

Lo mejor del 2017 sobre las tablas

Lectura: 6 minutos

Ésta es la tercera vez que hago el reconocimiento a lo mejor del teatro de la Ciudad de México de forma anual y no dejo de pensar en las palabras de Yoshi Oida en su ya clásico libro “Un Actor a la Deriva”: La energía que el espectador recibe de un acto teatral verdadero permanecerá en él y enriquecerá su vida cotidiana. (…) El espectador no necesita reconocer la manera en que los actores lo han afectado, le basta saber que ha sido cambiado.

Por otro lado, no puedo sacarme de la cabeza los innumerables problemas que la vida teatral ha sorteado durante estos doce meses; tales problemas no son nuevos sino crecieron en niveles insospechados para casi aniquilar (o francamente aniquilar) la vida de varios proyectos ya sea en el mundo subvencionado o de particulares. Yo voy al teatro cada semana y en el 2017 vi las salas más vacías en comparación del 2015 y 2016, por ejemplo, y por nombrar una situación apremiante para la escena no sólo teatral sino cultural. No obstante, en este último año el gremio teatral se ha unido más que nunca para hacer un frente en común y poder cautivar a las audiencias de una manera estratégica.

Este reconocimiento a lo mejor de las tablas de la Ciudad de México es un pretexto para encontrar una vuelta de tuerca a las respuestas de las preguntas de siempre: ¿cómo podemos hacer que la gente vaya más al teatro?, ¿qué elementos necesitan considerarse aparte de la experiencia teatral para volver más atractiva una obra?, ¿cuáles son las formas más novedosas de financiamiento de proyectos?, ¿cómo capitalizar el éxito de un montaje?, ¿qué historias se necesitan contar?, ¿cómo encontrar a la audiencia de una obra?, ¿cuáles son los límites y las posibilidades del mundo de la subvención? Y esta vuelta de tuerca tiene que ver con la construcción de espacios públicos.

Para mí, sentarme en una butaca no implica divertirme un rato, ejercer un criterio exquisito para valorar un montaje o darle rienda suelta a una pasión y/o vocación. Sentarme en una butaca es un asunto de conexión no sólo con los que están en escena, sino con los que también están en las butacas.

En el 2015 yo creía que lo único que puede diferenciar al teatro del cine y la televisión es la experiencia en vivo. Ahora me lo cuestiono. El corazón del teatro por supuesto está en la experiencia en vivo pero, después de este año, veo al teatro como un espacio público donde la colectividad se cuestiona y, sobre todo, dialoga.  Y ojalá (en un deseo tal vez arrebatado) forme múltiples y diversas comunidades.

Y ese diálogo implica cuestionamientos (sin llegar necesariamente a respuestas; ojalá sí) a todo ese dolor fuera de la sala. Con sólo cuestionar las cosas no sólo para mí sino con el otro para el otro, el teatro será revalorado. Ninguna idea es nueva en este argumento, apenas logré entenderlo (y sentirlo) a cabalidad en los últimos meses. Es preocupante ver todo el sufrimiento de mi país durante este año en lo político, económico y social; no dejo de ver que el próximo año es electoral. Y hoy apuesto por el crecimiento y la conexión. Individual y colectiva. Llámese teatro o cualquier otro camino. Con la confianza de que, como dice José Enrique Rodó en su ensayo “Ariel”, sea hoy cuando vendrá.

Referencia bibliográfica:

Oida, Yoshi, Un Actor a la Deriva. Ediciones El Milagro. México, 2011, p. 223.

 

Metodología para seleccionar a los nominadxs y ganadorxs en cada terna

  • A partir de haber asistido a 62 obras de teatro presentadas en la Ciudad de México durante el 1º de diciembre de 2016 hasta el 13 de diciembre de 2017 se seleccionaron los trabajos más destacados en las áreas de producción y desempeño escénico en un montaje teatral.
  • Las nominaciones fueron categorizadas en 18 ternas.
  • Cada terna tiene como máximo nueve nominadas y nominados.
  • Las personas nominadas a este reconocimiento en el año 2016 no fueron consideradas en esta selección.
  • En una misma categoría puede estar nominada una misma persona que haya participado en proyectos diferentes.
  • En diferentes categorías puede estar nominada una misma persona que haya participado en proyectos diferentes.
  • El 21 de diciembre se dará a conocer una mención honorífica al trabajo con una mayor exploración del lenguaje teatral y que marca un interesante rompimiento de estructuras de construcción escénica.
  • En el caso de los papeles que tienen actrices y actores alternantes, todxs fueron vistxs en diferentes funciones.
  • Los criterios generales para elegir a las personas nominadas de cada categoría son:
  1. El dominio técnico del área en cuestión.
  2. La concordancia del trabajo del área con el concepto literario y escénico de la obra.
  3. La capacidad de exploración simbólica en cada una de las áreas.
  4. La capacidad de aproximarse a las competencias comunicativas de las audiencias.
  5. La capacidad de exploración del lenguaje teatral en cada una de las áreas.
  6. La pertinencia del tema, la premisa y la historia para el momento político, económico y social de la Ciudad de México.

Además de los criterios propios para cada área de nominación.

  • Lxs ganadorxs serán escogidxs a partir de cumplir los requisitos anteriores.
  • Lxs ganadorxs serán dadxs a conocer el 21 de diciembre por este mismo medio.

*Espero que este reconocimiento sirva también como una radiografía de las historias donde el gremio teatral pone su interés, esfuerzo y dinero; de esta manera se puede rastrear donde está nuestra producción de sentido como mexicanos de la Ciudad de México y encontrar áreas de oportunidad de historias que aún no se cuentan y urgentemente se necesitan contar.

 

NOMINACIONES A LO MEJOR DEL 2017 SOBRE LAS TABLAS

  • Mejor diseño sonoro:
  • Miguel A. Hernández Montero- “Bozal”
  • Gastón Briski – “Billy Elliot. El Musical”
  • Alejandro Giacoman – “La Tequilera”
  • Edher Corte – “Closer”
  • Miguel Jiménez – “Privacidad”
  • Rodrigo Castillo Filomarino – “Instinto”
  • Cristóbal Maryan y Emil Rzajev – “Solsticio de Invierno”

 

  • Mejor diseño de vestuario:
  • Mauricio Ascencio – “Noche de Reyes”
  • Estela Fagoaga – “Billy Elliot. El Musical”
  • Trama y Drama Vestuario y Producción S.A. de C.V. – “La Tequilera”
  • Estela Fagoaga – “La Divina Ilusión”
  • Aldo Vázquez Yela – “El Jardín de los Cerezos”
  • Mario Marín Del Río – “Enemigo del Pueblo”
  • Eloise Kazan – “Exiliados”

 

  • Mejor diseño de iluminación:
  • Jason Kantrowitz – “Billy Elliot. El Musical”
  • Mauricio Ascencio – “Noche de Reyes”
  • Víctor Zapatero – “Privacidad”
  • Fernando Flores Trejo – “La Divina Ilusión”
  • Gabriel Pascal – “Bozal”
  • Félix Arroyo – “Heisenberg”
  • Ángel Ancona – “Después del Ensayo”

 

  • Mejor música original para un montaje:
  • Yayo Villegas – “Abrazar al Panda”
  • Pablo Chemor – “Noche de Reyes”
  • Meme y Renato Del Real – “Déjame Entrar”
  • León Felipe Tapia – “Tréplev”
  • Edher Corte – “Closer”
  • Joaquín López “Chas” – “La Divina Ilusión”
  • Tareke Ortiz – “Irene”

 

  • Mejor diseño de escenografía:
  • Jorge Ballina, Jorge Orozco y Frank Beltrán – “Privacidad”
  • Fernando Flores Trejo – “La Divina Ilusión”
  • Sergio Villegas y Adrián Martínez Frausto – “Billy Elliot. El Musical”
  • Mario Marín Del Río – “Instinto”
  • Sergio Villegas – “Un Acto De Dios”
  • Gabriel Pascal – “El Mercader de Venecia”
  • Mauricio Ascencio – “Happy”

 

  • Mejor musical:
  • “Billy Elliot. El Musical”
  • “Urinetown”
  • “Papi Piernas Largas”

 

  • Mejor dramaturgia mexicana contemporánea:
  • Mauricio Bañuelos – “El Cielo de los Presos”
  • Ximena Escalante – “La Tequilera”
  • Bárbara Colio – “Instinto”
  • Mario Alberto Monroy – “Abrazar al Panda”
  • Mario Cantú Toscano – “Memorama”
  • Medardo Treviño – “En la Esquina de las Desdichas”

 

  • Mejor traducción y adaptación de una obra extranjera:
  • Roberto Cavazos – “Rotterdam”
  • David Olguín – “El Mercader de Venecia”
  • Alberto Lomnitz y Ricardo Esquerra – “La Estética del Crimen”
  • David Gaitán – “Enemigo del Pueblo”
  • René Franco y Susana Moscatel – “Billy Elliot. El Musical”
  • Alonso Íñiguez – “Noche de Reyes”
  • Alfredo Michel Modenessi – “Romeo y Julieta”

 

  • Mejor dramaturgia extranjera contemporánea:
  • Simon Stephens – “Heisenberg”
  • David Javerbaum – “Un Acto de Dios”
  • Robert Caisley – “Happy”
  • Michel Marc Bouchard – “La Divina Ilusión”
  • Alberto Conejero – “La Piedra Oscura”
  • Roland Schimmelpfennig – “Solsticio de Invierno”
  • Jon Brittain – “Rotterdam”

 

  • Mejor trabajo de coreografía y movimiento escénico:
  • Roy Valdés – “Romeo y Julieta”
  • Peter Darling, Paul Rubin, Oscar Carapia y Carlos Carrillo – “Billy Elliot. El Musical”
  • Franghia Ballesteros – “Déjame Entrar”
  • Arantza Muñoz Montemayor – “Urinetown”
  • Antonio Peña y Ramón Cadaval – “Oscura Sangre”

 

  • Mejor ensamble actoral:
  • “La Divina Ilusión”
  • “Billy Elliot. El Musical”
  • “Los Ojos”
  • “Noche de Reyes”
  • “El Mercader de Venecia”
  • “Rotterdam”
  • “La Estética del Crimen”
  • Mejor espectáculo de teatro cabaret:
  • “Angélique” de Eduardo Castañeda
  • “Las Miserables” de Las Reinas Chulas
  • “The Shakespearean Tour o Cómo ser una Diva Shakespeariana” de Mariano Ruiz
  • “La Pasión según Lupe Lemper” de Pedro Kóminik

 

  • Mejor actor de reparto:
  • Emmanuel Orenday – “El Cielo de los Presos”
  • Alejandro de la Madrid – “Memorama”
  • Mario Alberto Monroy – “La Estética del Crimen”
  • David Juan Olguín Almela – “El Mercader de Venecia”
  • Rodrigo Murray – “Un Tranvía llamado Deseo”
  • Constantino Morán – “La Divina Ilusión”
  • Salvador Petrola – “Noche de Reyes”

 

  • Mejor actriz de reparto:
  • Paola Izquierdo – “Sra. Klein”
  • Adriana Montes de Oca – “Noche de Reyes”
  • Assira Abate – “Los Ojos”
  • Montserrat Marañón – “La Estética del Crimen”
  • Pilar Boliver – “La Divina Ilusión”
  • Concepción Márquez – “El Jardín de los Cerezos”
  • Anahí Allué/Laura Luz (alternan papel) – “Billy Elliot. El Musical”

 

  • Mejor actor principal:
  • Antonio Vega – “Solsticio de Invierno”
  • Joaquín Cosío – “La Desobediencia de Marte”
  • Marco Treviño – “Memorama”
  • Luis Rábago – “Enemigo del Pueblo”
  • Mauricio Arriaga/Aarón Márquez/Ian González/Jesús Trosino/Demián Ferráez (alternan papel) – “Billy Elliot. El Musical”
  • Pablo Perroni – “Happy”
  • Roberto Beck – “Los Ojos”

 

  • Mejor actriz principal:
  • Valeria Vera – “Rotterdam”
  • Lisa Owen – “Macbeth”
  • Esmirna Barrios – “El Mercader de Venecia”
  • Luly Garza – “El Testamento de María”
  • Emoé de la Parra – “Sra. Klein”
  • Beatriz Moreno – “En la Esquina de las Desdichas”
  • Ana Graham – “Solsticio de Invierno”
  • Julieta Egurrola – “Después del Ensayo”

 

  • Mejor dirección:
  • Boris Schoemann – “La Divina Ilusión”
  • Angélica Rogel – “Happy”
  • Itari Marta – “El Testamento de María”
  • David Olguín – “El Mercader de Venecia”
  • Alonso Íñiguez – “Noche de Reyes”
  • Cristian Magaloni – “Los Ojos”
  • Pilar Boliver – “Un Acto de Dios”
  • Roberto Cavazos – “Rotterdam”
  • Maru Dueñas – “Papi Piernas Largas”

 

  • Mejor obra de teatro del 2017:
  • “Rotterdam” de Jon Brittain
  • “La Divina Ilusión” de Michel Marc Bouchard
  • “Happy” de Robert Caisley
  • “El Mercader de Venecia” de William Shakespeare (adaptación de David Olguín)
  • “Los Ojos” de Pablo Messiez
  • “El Testamento de María” de Colm Tóibín
  • “Billy Elliot. El Musical” de Lee Hall con música de Elton John
  • “Noche de Reyes” de William Shakespeare (adaptación de Alonso Íñiguez)