Arte y Dinero

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Es un hecho consumado: la Bienal Tamayo es para un comité curatorial. La historia es corta y fulminante: La Dirección de Artes Visuales de Bellas Artes, a cargo de la licenciada Magdalena Zavala, realizó varias reuniones con pintores, curadores, galeristas, críticos etc., para presentar un escueto powerpoint en el que informaban que la Bienal iba a estar organizada y dirigida por un comité curatorial “como la de Venecia”.

Este comité curatorial decidirá a qué artistas invita a participar, irá a sus talleres para “analizar su obra” y esos artistas serán los que podrán concursar. Es un régimen mixto y también se aceptan inscripciones de todo público. Se amplía el presupuesto a 3 millones de pesos y se otorgan tres premios de 150 mil pesos.

En esa reunión manifesté abiertamente mi objeción verbalmente y por escrito.

Resumo mis ideas: que existan dos tipos de participantes, unos llevados por el comité y otros sin el apoyo de este comité, hace al certamen inequitativo desde el inicio. Que exista una preselección de artistas fomenta el tráfico de influencias, acaba con la transparencia. Es un trámite innecesario que otros pintores se inscriban, ya que están en evidente desventaja porque no fueron recomendados por el comité. Un comité curatorial es juez y parte, tiene sus propios intereses, es injusto y abusivo.

Estas afirmaciones las envíe a la licenciada Magdalena Zavala y me contestó en una carta que gracias por opinar, pero que definitivamente van hacer su comité curatorial. Finalmente realizaron la reunión para firmar los acuerdos que establecen las reglas de la convocatoria de la Bienal Tamayo. A este conclave no fui requerida. Los presentes aceptaron por unanimidad este nuevo formato, y la Bienal de pintura Rufino Tamayo va a estar dirigida por un comité curatorial formado por dos pintores y un curador. Que estén dos pintores incluidos no cambia la situación, un grupo decidirá quién participa, es un método excluyente y opaco. En este sentido, hasta Gabriel Orozco es pintor y expone pintura.

Este comité será “responsable de decidir el concepto de pintura” así sucedió en el 2008 y Emilio Chapela fue seleccionado con varios pantones “pintados”. Si cada dos años van a estar decidiendo qué es pintura, esto va a estar sujeto a las modas. Además, para alimentar la burocracia y hacer más turbio el certamen habrá un jurado de “profesionales”, que también pueden ser curadores, y ellos decidirán quiénes son los ganadores a partir de la preselección curatorial. Entonces el comité lleva a los artistas y decide qué es pintura, perfecto.

Que esto lo aprueben Patrick Charpenel, Patricia Ortiz Monasterio de la galería OMR, Arnaldo Cohen, José Castro Leñero, Teresa Cito, Carmen Cuenca y Teresa del Conde no me extraña, cada quién cuida su negocio: es una bolsa de 3 millones para burocracia cultural, la oportunidad para quedar bien con el poder, incrementar influencia, empujar a sus artistas y sus curadores. Ganancia pura. Lo que es increíble es que firmaran los pintores Ulises Ponce de León y Juan Pablo Rulfo, y que Teresa Velázquez “se abstuviera”. Gracias a estos “defensores” la Bienal ya está acabada. La próxima vez ahórrense sus cartas y sus protestas, en lo más serio y que de verdad afectaba a la comunidad de pintores, en eso cedieron.

Es patológica la obsesión por pervertir un certamen que está pensado para pintura, que es herencia y acervo de Tamayo, la obligación de Bellas Artes es resguardar este legado y respetarlo, no pueden acabar con la mística artística y libertaria de la Bienal para empoderar a un grupo y seguir las tendencias. El INBA y CONACULTA pueden ahora mismo inventarse otra bienal dedicada al arte contemporáneo, les sobran recursos humanos y económicos. Publiquen un desglose de los 3 millones de pesos que van a gastar en burocracia, los premios suman la sexta parte del monto.

Háganse responsables de este atropello a la credibilidad y transparencia de la Bienal y del trato desigual que van a recibir miles de pintores. Los valientes firmantes están de fiesta, es oficial que la Bienal Tamayo será para un grupo, los favoritismos y la parcialidad ya son legales. Esto, así como lo ven, lo aprobaron pintores. ¡Bravo!

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Asistir a esta subasta de arte es emocionante, ya únicamente por el placer de ver las obras. Así como se va a un centro comercial a hacer window shopping a esta subasta hay que ir a mirar, y contemplar, claro y si tiene presupuesto, a comprar. Las obras que en esta ocasión pone a la venta Morton Casa de Subastas en la Subasta de Arte Latinoamericano del 14 de noviembre, son auténticos tesoros. El primero que tiene que estar en la puja es el Estado (léase CONACULTA y Bellas Artes) muchas de estas piezas deberían quedar en los museos del país, pues que vayan y compren porque hay muy poco aliciente para que los coleccionistas privados pongan en comodato colecciones valiosas, ya ven el caso Blaisten el abuso y prepotencia que sufrió por parte de la UNAM. Dinero hay, ya es momento de que ejerzan el gasto en arte, no en maestros en perpetua huelga.

Regresemos a la subasta. Hay piezas extraordinarias, cosas que de verdad, si usted tiene posibilidad de adquirirlas, no las deje ir, el arte mexicano y latinoamericano está formado por grandes exponentes en pintura y escultura, no todo es basura en pedestales, aunque así lo expongan los museos. Por ejemplo, menciono lo que me ha cautivado de este catálogo: Francisco Zúñiga, Niñas desnudas, 1987, carbón y pastel sobre papel. Esta pieza tiene la perversión y el encanto de un Balthus, y esa decadencia conmovedora de las niñas prostituías de José Clemente Orozco, la pieza mide 47 por 62 centímetros.  En esta época de lo políticamente correcto, este dibujo es un escándalo, pero su belleza no radica en eso, es de una sobriedad y pureza que mirarlo en vivo anula los prejuicios. La espectacular pieza de la noche: de Saturnino Herrán la obra magna de su carrera y dolorosa vida, Nuestros Dioses, 1918. Lienzo mural al óleo, tablero izquierdo del friso, 176 por 532 centímetros.

 

 

Obviamente cuentan con toda la provenance de la obra y es la misma pieza que vimos exhibida en el Palacio de Bellas Artes en el 2010. Esta obra, en particular, por sus dimensiones y el valor que tiene en la plástica mexicana, su sitio es un museo y expuesta de forma permanente. Supongo que la cantidad que pedirán es alta, pero si el Estado no usa el dinero para eso, ¿entonces para qué lo usa? por lo menos en el área de cultura y educación. Ahora mismo, con lo que han tirado en los maestros, que les funciona más chantajear que trabajar, están despilfarrado el erario en un conflicto que es un gran negocio. Otras piezas de gran importancia presentes en la subasta son: Gilberto Aceves Navarro, Mi estudio 7, óleo sobre tela, sale por 200 mil pesos. Manuel Felguérez, Escala de Silencio, óleo sobre tela, sale por 350 mil. Hay dos obras de Gabriel Macotela que están muy bien, salen por 70 y 80 mil pesos cada una. El catálogo es una selección de obras muy cuidada, lo que aquí destaca es la trayectoria de esta casa de subastas por impulsar artistas de distintas generaciones, estilos e intereses, la exposición de obras es un recorrido muy interesante por el arte latinoamericano.

 

 

 

El mercado del arte es una pieza fundamental en la producción artística, es algo que va más allá de ser un negocio, porque es muy delicada la relación creativa y de venta. Llevarlo con profesionalismo ayuda a que los artistas puedan vivir de su trabajo. Cuando el mercado se pervierte y se venden cosas que ni siquiera existen, como periódicos arrugados, certificados por una línea de cables, o el vacío en una habitación, el artista que si crea y trabaja con seriedad y rigor, ve como su mercado desaparece y se desvirtúa en dirección a la especulación. La presencia de estas obras en una subasta habla del aprecio de muchos coleccionistas por el gran arte latinoamericano, reafirma que no todo el mundo está interesado en adquirir basura sobre valuada y que existen personas que son capaces de crear acervo. Mis propias finanzas no son suficientes para adquirir estas obras, pero lo digo abiertamente, admiro a las personas que usan su dinero en adquirir para su placer personal una obra de este tipo, que se rodean de pinturas, dibujos, esculturas. La realidad es que sobran cosas en qué gastar el dinero, incluido el arte basura, pero pensar en esto, hacer el esfuerzo por tener ese hermoso dibujo de Zúñiga que sale por 150 mil pesos, es otra sensibilidad y cultura de compra.  Felicidades a Luis Morton por este gran paso en su carrera.

La subasta de Arte Latinoamericano es el día jueves 14 de noviembre de 2013 a las 7 pm

Salón Candiles del Club Naval Norte, Fernando Alencastre 310, Lomas de Virreyes, México, D.F.

 

 

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La Bienal Tamayo está en crisis y de esto son responsables los que impusieron con sus decisiones un certamen de baja calidad y sin credibilidad. En este sexenio la Dirección de Artes Visuales de Bellas Artes, a cargo de la Licenciada Magdalena Zavala, está abordando a artistas, críticos, curadores y demás involucrados en la cultura para rehacer esta Bienal. Asistí a una reunión en la que me presentaron un documento con los puntos que van a cambiar que se pueden resumir en:

Introducen un comité curatorial que selecciona e invita a los artistas que pueden participar. Se hace un modelo mixto, también se pueden inscribir libremente los artistas. Habrá un jurado que seleccione las obras a partir de la selección del comité curatorial. El premio se disminuye a uno para una obra ganadora y en cambio el presupuesto de la Bienal crece a 3 millones de pesos. Insistieron en un modelo “plural e inclusivo” sin aclarar qué significa esto para ellos. Creo que le reunión más que para buscar opiniones, era para crear consenso. Manifesté las siguientes ideas en la reunión y lo hago público:

EL COMITÉ CURATORIAL.

El comité curatorial que van a introducir únicamente va a crear un filtro innecesario en la Bienal. Que los sean quienes curadores inviten a los artistas no es inclusivo, es excluyente.

Esto va a poner en total desventaja a los pintores, porque los que no tengan acceso a los curadores no va a tener posibilidades de destacar aún con el régimen mixto.

La curaduría en México se ejerce como un tráfico de influencias. Los curadores van a llevar a sus conocidos, sus compromisos con las galerías y van a proponer lo que ellos entienden por pintura, lo que esto sea, y no van a tener un criterio inclusivo, porque nunca lo han tenido y esto se demuestra en las exposiciones y los museos de Bellas Artes vacíos de pintura contemporánea.

Cuando la comunidad de pintores se entere de que existe este filtro curatorial van a desistir de enviar su obra.

Están otorgando a los curadores más poder del que ya tienen y que ejercen con descaro y corrupción.

Si existe un jurado esto es suficiente, que ellos vean las obras, las analicen y lleguen a conclusiones. Imponer que alguien lleve a sus conocidos y sus compromisos con las galerías y amistades (así se hace la curaduría en México) es un acto que despoja de transparencia a esta Bienal.

Lo curadores únicamente cumplen un criterio estético que se apega a las modas y a lo más influyente en en los museos, literalmente a quedar bien con el sistema y eso lo van ustedes a imponer a una Bienal que es de pintura NO DE CURADORES.

Los jueces no van a calificar pintura, van a calificar un criterio curatorial, y eso descalifica al pintor.

Su objetivo de inclusión y pluralidad queda nulificado con un comité curatorial.

Su objetivo de inclusión y pluralidad, que nunca aclararon cómo lo van a implementar, está abriendo la puerta a que esta Bienal otra vez no sea de pintura y se puedan incluir instalaciones y objetos como plásticos en el piso, cosas pintadas en pintura automotiva etc. Con esto la Bienal va a caer en los vicios que la llevaron al total fracaso.

LO QUE TENDRÍAN QUÉ HACER: POSICIONAR A LA BIENAL.

A la Bienal le urge una campaña de posicionamiento entre la comunidad artística.

Que de a conocer:

Que esta Bienal no es como las anteriores que literalmente premiaron naderías que ni son pintura ni son arte.

Que se busca a la excelencia en la pintura. México tiene grandes pintores, jóvenes y mayores, que no están expuestos porque los museos de Estado, o sea los que están a su cargo y los de la UNAM, están abocados a exponer las mismas expresiones de arte VIP video-instalación-performance y están en manos de los curadores.

Ahora mismo, prefieren que los museos estén vacíos y no exponen pintura. Únicamente el MAM lo hace de vez en vez, ya ni el MUNAL respeta su acervo y su mística.

EL JURADO.

Es una decepción que en las Bienales anteriores invitaban de jurado a personas que no saben nada de pintura, es más, la desprecian, el caso de Melanie Smith, Taiyana Pimentel etc. Con los consecuentes resultados.

Es humillante que alguien envíe un cuadro de valía y premien un bote de pintura.

El jurado, aunque sea una tarea difícil para ustedes, debe ser con una trayectoria probada en su trabajo pictórico o de análisis de las artes plásticas.

Que sepa este jurado que hay que posicionar de nuevo a la Bienal y que su dictamen honesto y exigente va a ser determinante para esto.

EL PREMIO Y EL PRESUPUESTO.

Si van a aumentar el presupuesto y van a disminuir el monto del premio significa que el dinero se los van a gastar en pagar al comité curatorial. Esto es inadmisible. Los curadores no son el objetivo de este certamen, son los pintores y su obra. El monto del premio debería extenderse a tres categorías y cinco menciones honoríficas. Con 3 millones puedan dar tres categorías de 250 mil y menciones honorificas de 50 mil.

Mientras tanto presenten un desglose para ver en qué se van a gastar 3 millones si va a dar un solo premio.

FINALMENTE.

Si quieren quedar bien con los curadores, aun más, hagan una Bienal de curadores, como la de Venecia y la Whitney, y dejen esta Bienal Tamayo para pintores, la pintura no necesita curadores.

Si no tienen voluntad de resolver un problema no lo hagan más grande, darle esto a un comité curatorial va a terminar de hundir esta Bienal.

Para ver todo el record de esto visiten el blog http://bienaldepinturarufinotamayo.blogspot.mx/

 

 

 

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La Bienal Tamayo está en crisis y de esto son responsables los que impusieron con sus decisiones un certamen de baja calidad y sin credibilidad. En este sexenio la Dirección de Artes Visuales de Bellas Artes, a cargo de la Licenciada Magdalena Zavala, está abordando a artistas, críticos, curadores y demás involucrados en la cultura para rehacer esta Bienal. Asistí a una reunión en la que me presentaron un documento con los puntos que van a cambiar que se pueden resumir en:

Introducen un comité curatorial que selecciona e invita a los artistas que pueden participar. Se hace un modelo mixto, también se pueden inscribir libremente los artistas. Habrá un jurado que seleccione las obras a partir de la selección del comité curatorial. El premio se disminuye a uno para una obra ganadora y en cambio el presupuesto de la Bienal crece a 3 millones de pesos. Insistieron en un modelo “plural e inclusivo” sin aclarar qué significa esto para ellos. Creo que le reunión más que para buscar opiniones, era para crear consenso. Manifesté las siguientes ideas en la reunión y lo hago público:

EL COMITÉ CURATORIAL.

El comité curatorial que van a introducir únicamente va a crear un filtro innecesario en la Bienal. Que los sean quienes curadores inviten a los artistas no es inclusivo, es excluyente.

Esto va a poner en total desventaja a los pintores, porque los que no tengan acceso a los curadores no va a tener posibilidades de destacar aún con el régimen mixto.

La curaduría en México se ejerce como un tráfico de influencias. Los curadores van a llevar a sus conocidos, sus compromisos con las galerías y van a proponer lo que ellos entienden por pintura, lo que esto sea, y no van a tener un criterio inclusivo, porque nunca lo han tenido y esto se demuestra en las exposiciones y los museos de Bellas Artes vacíos de pintura contemporánea.

Cuando la comunidad de pintores se entere de que existe este filtro curatorial van a desistir de enviar su obra.

Están otorgando a los curadores más poder del que ya tienen y que ejercen con descaro y corrupción.

Si existe un jurado esto es suficiente, que ellos vean las obras, las analicen y lleguen a conclusiones. Imponer que alguien lleve a sus conocidos y sus compromisos con las galerías y amistades (así se hace la curaduría en México) es un acto que despoja de transparencia a esta Bienal.

Lo curadores únicamente cumplen un criterio estético que se apega a las modas y a lo más influyente en en los museos, literalmente a quedar bien con el sistema y eso lo van ustedes a imponer a una Bienal que es de pintura NO DE CURADORES.

Los jueces no van a calificar pintura, van a calificar un criterio curatorial, y eso descalifica al pintor.

Su objetivo de inclusión y pluralidad queda nulificado con un comité curatorial.

Su objetivo de inclusión y pluralidad, que nunca aclararon cómo lo van a implementar, está abriendo la puerta a que esta Bienal otra vez no sea de pintura y se puedan incluir instalaciones y objetos como plásticos en el piso, cosas pintadas en pintura automotiva etc. Con esto la Bienal va a caer en los vicios que la llevaron al total fracaso.

LO QUE TENDRÍAN QUÉ HACER: POSICIONAR A LA BIENAL.

A la Bienal le urge una campaña de posicionamiento entre la comunidad artística.

Que de a conocer:

Que esta Bienal no es como las anteriores que literalmente premiaron naderías que ni son pintura ni son arte.

Que se busca a la excelencia en la pintura. México tiene grandes pintores, jóvenes y mayores, que no están expuestos porque los museos de Estado, o sea los que están a su cargo y los de la UNAM, están abocados a exponer las mismas expresiones de arte VIP video-instalación-performance y están en manos de los curadores.

Ahora mismo, prefieren que los museos estén vacíos y no exponen pintura. Únicamente el MAM lo hace de vez en vez, ya ni el MUNAL respeta su acervo y su mística.

EL JURADO.

Es una decepción que en las Bienales anteriores invitaban de jurado a personas que no saben nada de pintura, es más, la desprecian, el caso de Melanie Smith, Taiyana Pimentel etc. Con los consecuentes resultados.

Es humillante que alguien envíe un cuadro de valía y premien un bote de pintura.

El jurado, aunque sea una tarea difícil para ustedes, debe ser con una trayectoria probada en su trabajo pictórico o de análisis de las artes plásticas.

Que sepa este jurado que hay que posicionar de nuevo a la Bienal y que su dictamen honesto y exigente va a ser determinante para esto.

EL PREMIO Y EL PRESUPUESTO.

Si van a aumentar el presupuesto y van a disminuir el monto del premio significa que el dinero se los van a gastar en pagar al comité curatorial. Esto es inadmisible. Los curadores no son el objetivo de este certamen, son los pintores y su obra. El monto del premio debería extenderse a tres categorías y cinco menciones honoríficas. Con 3 millones puedan dar tres categorías de 250 mil y menciones honorificas de 50 mil.

Mientras tanto presenten un desglose para ver en qué se van a gastar 3 millones si va a dar un solo premio.

FINALMENTE.

Si quieren quedar bien con los curadores, aun más, hagan una Bienal de curadores, como la de Venecia y la Whitney, y dejen esta Bienal Tamayo para pintores, la pintura no necesita curadores.

Si no tienen voluntad de resolver un problema no lo hagan más grande, darle esto a un comité curatorial va a terminar de hundir esta Bienal.

Para ver todo el record de esto visiten el blog http://bienaldepinturarufinotamayo.blogspot.mx/

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Ser feliz es el slogan de la sociedad de consumo. Para alcanzar el estado de imbecilidad que pide la publicidad hay que saturarse de cosas, comida, y de las drogas de diseño que recetan los médicos, además de las versiones alternativas del mercado negro. El éxito engendra alegría, su ausencia germina psicosis. Es preciso que la realidad copie a la publicidad y se divida en episodios de 30 segundos como los comerciales de la televisión. Sentirse con un ánimo diferente, vivir la melancolía, esa emoción sublime, es un motivo de vergüenza, es razón para recurrir a terapia, expulsar y drogar a esa peste negra, evitar que se manifieste, abra sus fauces y grite. Freud enumera los síntomas como “profundo dolor, cesación de interés por el mundo exterior, pérdida de la capacidad de amar, e inhibición de toda actividad”. ¿Quién decidió que debemos mantener todo el tiempo el interés por el mundo exterior? ¿Por qué debemos estar inmersos en esta realidad absurda y asfixiante 24 por 7 como su fuéramos una tienda de conveniencia? ¿Cómo se mide la capacidad de amar? ¿Dibujando florecitas de colores brillantes como Murakami o amando como personajes de película americana? ¿Por qué debemos tener la actividad desenfrenada, irracional y sistemática de las máquinas? ¿Por qué debemos vivir lo mismo? Los síntomas son una trampa y es implacable la persecución y la estigmatización por sentir algo que es natural.  Ya no podemos ni analizar nuestras emociones, ser testigos de ellas, nos debemos desprender de lo que sentimos y anestesiarnos con estímulos. El arte permite asomarse al abismo de las emociones, para Proust era un momento para concentrarse en ese lugar del alma y vivirlo; cuando su amigo, el príncipe Bibiesco se quejaba “sentir eso”, le dijo Proust: “aproveche y escriba unas páginas sobre lo que le está pasando”.  Le pidió enfrentar la emoción y analizarla con un trabajo creador, razonando cada palabra para describir lo que sentía. El paisaje posee la virtud de evocar la soledad melancólica, ese silencio que la meditación consigue alejándonos de todo. En el espacio abierto de las pinturas de Caspar David Friedrich, la bruma es una emoción que cubre lentamente la vista, que induce a sentir. La contemplación del arte nos exige estar aquí y ahora, nos detiene, nos calla, nos da espacio para pensar. Aturdirnos con el ruido cotidiano impide que presenciemos nuestro ser, el arte es una compañía que detona la relación con nosotros mismos. El color de los paisajes de Friedrich no es real, no es testimonial, es un reflejo de lo que él siente, la panorámica proyecta el interior de sus pensamientos. En su pintura El Soñador el ocaso invade el espacio con tonos anaranjados, violetas y rosas, un arco define la presencia del que sueña contemplando el portento, absorto en ese encuentro con él mismo. Hay melancolía en los paisajes irreales que Leonardo da Vinci pintaba como fondo de sus obras, en esas montañas azules, los cielos fugaces, y el frío de la caverna de la Virgen de las Rocas. Las naturalezas muertas de Cezanne, la humildad de la mesa, la frugalidad de la composición, la sencillez de los elementos, las peras, un plato de cerezas, sus colores, el mantel arrugado, es Cezanne y su pintura, nada más, es la soledad del creador.

La obligación de reírse, de darle “ironía a la reflexión”, de saturar de estulticia el espacio para ser simpáticos e “irreverentes”, tiene estupidizado al arte contemporáneo VIP, como a la publicidad y a la televisión, son el club de los optimistas, comparten los mismos códigos, reducen las emociones y las ideas a la misma simpleza, se ahogan en sus risitas, y piden que los traten con solemnidad cuando ridiculizan cualquier tema que abordan, “resignificándolo” con sus teorías que digieren lo que sea como una máquina trituradora de basura. Los que necesitan ser chistosos que cohabiten en la denigrante ausencia de sentido de la sociedad de consumo. La melancolía, como emoción sublime, no es evasiva, no complace a los otros, es un proceso íntimo del individuo que la masa desprecia, de ese ser que se atreve, como dice Kant, a “entrar en la sombra profunda y meditativa”. Las emociones grandes que se queden en las grandes obras.

 

 

 

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El arte y su creación, la investigación de cada uno de sus elementos para entender un proceso que implica a la razón y a las emociones, a los ideas y las formas lleva al artista a crear un estilo para manifestarse.

La obra de Liliana Mercenario Pomeroy es un mundo particular y sin embargo nos atañe y nos implica mientras observamos su obra. Nos lleva a distintos lugares y estados del espíritu en una fábula visual. Los animales han vivido la persecución y el exterminio, y por absurdo que sea, son sacrificados hasta cuando son admirados por su belleza. Si su valor es el de un objeto mágico como los cuernos de los rinocerontes, los asesinan, mutilan y dejan en el abandono sus restos como si esa magnífica presencia no importara.

Liliana Mercenario y Pomeroy pinta como una forma de rescate y de respeto; denuncia y enaltece a nuestros hermanos, reconoce nuestra natural similitud. En una habitación acuática, de tonos verdes y azules una mujer posa con sus cabellos flotantes y a su lado una hermosa mantarraya, con su nado flotante que parece vuelo, la sensual cadencia de su cuerpo dialoga con los cabellos de la mujer, son dos compañeras, juntas habitan ese hogar.

Un pavo que posa detrás de un muro en una composición similar a la del perro de Goya, una niña y un lobo que miran con los mismos ojos, dos niñas juegan y su perro negro las ve compartiendo su alegría, una intrépida mujer viaja en el lomo de un leopardo y carga a un pequeño perrito, dos lobos-perros de ojos fosforescentes escoltan a su amiga vestida de negro.

Esta relación que Liliana Mercenario establece con los animales y las mujeres, con su presencia permanente, no importa de qué raza o especie sean, si son domésticos o salvajes, para ella son sus amigos, sus semejantes, compañeros inseparables de sus sueños, del mundo que ella hace que exista con su pintura. Si pudiéramos vivir en un cuadro de Liliana jugaríamos con peces, montaríamos sedosos caballos y restableceríamos ese equilibrio que nos hace ser más humanos.

Las mujeres de la obra de Liliana son un autorretrato que evoluciona por estados cronológicos, anímicos y místicos. Sacerdotisas, hadas, vengadoras, brujas, hijas y tierra madre, son una biografía novelada, son la evolución de una mujer que es capaz de visualizar con arte su propia existencia. El análisis personal se expande a la pintura, el objeto de observación es la artista misma, su presencia en los diferentes mundos que construye y habita.

Si cabalga en un leopardo que salta volando, es ella con lentes de piloto, demostrando su valor ante la fantástica posibilidad del viaje, la confianza de que con un compañero así, con un gran felino está más segura que con cualquier ser humano para cruzar un territorio desconocido. Liliana se proyecta en estos personajes y nos deja conocer su intimidad, sus temores y amores, se reconcilia con capítulos de su historia, se asume portadora de misiones extraordinarias, y crea su propio código de ética con las leyes sagradas de la naturaleza.

Liliana Mercenario Pomeroy expone su obra, que incluye una inquietante y colección de grabados, en la galería del Centro Cultural Eje en Eje Central 425 colonia Narvarte. Esta muestra es parte de una colectiva curada por Tarsicio Padilla.

 

 

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No tuve decisión para abandonar mi observatorio y presencié aquella escena brutal con la razón extraviada y los ojos fascinados. Aquellos furibundos arrebatos me enloquecieron: ya no había en mí más sangre encendida, revuelta con lujuria y desenfreno.

Alfred de Musset, Gamiani.

La orgía es una catarsis de cuerpos. Esa masa que se retuerce en la búsqueda de la unión ciega, nunca selectiva, el accidente promiscuo, el azar del contacto, es una desaforada purificación, una revolución personal, la depuración a través de la degradación.  El Marqués de Sade hace de la orgía una tesis de lo necio e inoperante de mantener vínculos con cualquier persona, incluidas las que proporcionan placer, “ningún vinculo es sagrado a ojos de personas como nosotros”, si la orgía llega a su apoteosis encontrando en el crimen su orgasmo colectivo, eso está fuera de cualquier cuestión, es parte del acontecimiento de sacar de control lo más primitivo de la naturaleza humana, esa que se mitiga con leyes y que en la orgía es un rio de energía que no encuentra límites. Eso lo podemos ver en las grandes revoluciones cuando la masa sale furiosa y febril para sacrificar en el paroxismo de sus ideas, que es una gran copulación, y desahogarse y alcanzar el clímax en el asesinato de sus tiranos. El Terror de la Revolución Francesa, el fusilamiento de los zares en la Revolución Bolchevique es el mismo orgasmo del crimen con el que Juliette del Marqués de Sade llegaba a sus más delirantes eyaculaciones. La guerra, las manifestaciones, los partidos de futbol, los conciertos de rock son orgías aceptadas por la sociedad, comunión multitudinaria que comparte pasiones, sudores, insultos y contacto para que el evento llegue a la cúspide y después la furia de una multitud excitada que rompe automóviles, escaparates, destruyendo lo que hay a su paso. Se asiste a la orgía como a un ritual que exorciza la verdadera naturaleza del individuo que en el anonimato de la masa hace los que en su vida cotidiana jamás haría.

Esta metáfora de la orgía ha sido recreada por el arte, desde las composiciones de Rubens en las batallas, en donde los cuerpos se retuercen entre caballos, sudor, sangre, fuerza, histeria y miedo, hasta el Juicio Final en la Capilla Sixtina de Miguel Ángel que es una multitud que se reúne para mezclar sus cuerpos, en el ritual previo para una gran sodomización colectiva.  El cuerpo desnudo en la orgía, en la batalla o en el Juicio Final está despojado de la armadura que lo protege, que lo hace civilizado, que lo define como persona, para hacerlo uno más en la masa de cuerpos. Sin ropajes el pobre, el rico, el deforme, el hombre, la mujer son uno, nada los distingue, es el azar el único que gobierna.

Esta anónima multitud es lo que el artista Ángelo Musco reconstruye en un trabajo de increíble virtuosismo y composición, sus collages fotográficos son delirantes remolinos de personas que se entremezclan descendiendo en abismos de inenarrable entrega.  Flotantes en un océano de fluidos, nadando en un líquido que los contiene como una gran bolsa amniótica, los cuerpos descienden en agujeros negros que los arrastran a un pozo de placer. Las composiciones son obras monumentales, murales que cubren habitaciones. La avalancha de cuerpos desnudos es desconcertante, porque en el líquido que nadan y flotan podemos verlos acostados, en ovillos, estirados, es una danza, se conectan, se tocan, miran al frente, el agua, ese medio que soporta y deja que el cuerpo se mueva en absoluta libertad, proporciona la oportunidad para que los modelos realicen toda clase de posiciones, que los llevan en una dantesca unión a crear muros de personas. Musco, fotografía bajo el agua a cada uno de sus modelos, los dirige como un coreógrafo, hace composiciones de varias personas, bailan bajo el agua. Posteriormente toma estas imágenes las recorta y las reacomoda en una vorágine de seres bellos, suaves, húmedos.  La fotografía en blanco y negro hace a los murales épicos, irreales y aun más desmesurados, les confiere esa fantasía que es leer los libros del Marqués de Sade. La belleza de estos murales fotográficos, de estos collages, trastorna por la fabulosa posibilidad de que esto lo puede inventar el arte, hacerlo realidad. Ulises en su viaje por los mares poblados de semidioses, monstruos y leyendas, tendría que haber descubierto a estos desenfrenados seres acuáticos que emanan y mezclan sus propios fluidos con el gran mar que los contiene.